DIANE DRUBAY

“El futuro existe y seguirá existiendo, hagamos lo que hagamos o dejemos de hacer. Solo espero que el arte sea visto como un faro que ilumina nuevas formas de expresión y nuevas relaciones entre humanos y más-que-humanos”, afirma Diane Drubay. En sus palabras hay una idea clara: el arte puede ser una guía en tiempos inciertos y una forma de imaginar el futuro. 

Desde hace más de quince años, Diane ha tejido una trayectoria singular, cruzando fronteras entre disciplinas, territorios y lenguajes. Como artista visual, curadora y estratega cultural, ha dedicado su práctica a abrir espacios donde el arte, la tecnología y la conciencia ecológica se encuentren para transformar nuestras formas de ver, sentir y vivir en el presente. Fundadora de We Are Museums, un laboratorio vivo para la innovación en instituciones culturales, Diane ha impulsado proyectos que reconfiguran el rol de los museos, apostando por la colaboración, el pensamiento sistémico y la imaginación radical.

Su visión ha dejado huella en múltiples latitudes: desde hackatones para reinventar museos, hasta colaboraciones con instituciones como el Musée d’Orsay, HEK Basel o Haus der Kunst München; desde su participación activa en el ecosistema Tezos, hasta la creación de alterHEN, una galería liderada por artistas que explora nuevas economías culturales desde el arte digital y los NFTs.

Pero más allá de sus hitos profesionales, lo que atraviesa toda su obra es una sensibilidad profunda hacia lo vivo. En su investigación y proyectos se percibe una invitación constante a reconectar con la naturaleza, a repensar nuestras relaciones con lo más-que-humano, y a imaginar futuros donde el arte no solo sea un componente mimético, sino también una imaginación sobre otras formas y otros lugares.

En esta conversación, Diane comparte su recorrido, las preguntas que la inspiran y su manera de entrelazar el arte con nuevas formas de imaginar, colaborar y pensar sobre aquello que nos rodea. 

A nivel global, puede parecer contradictorio pensar hoy en el utopismo, como sugieren Deborah Danowski y Eduardo Viveiros de Castro (El fin del mundo, 2017). En su lectura de la crisis global, el tiempo parece haberse descompuesto cualitativamente en una anacronía; parece que el presente no tiene escapatoria más que a través de una especie de estancamiento temporal. Sin embargo, según Ernst Bloch (El principio esperanza, 2007), el mecanismo que establece en relación a la función utópica de la esperanza puede servir como praxis para catalizar la experiencia del presente e imaginar activamente el futuro. Basándote en esa premisa, ¿cómo trabajas con el concepto de utopía y qué opinas al respecto? ¿Puede el utopismo contrarrestar la experiencia de la crisis global?

El tiempo del utopismo o distopismo ya pasó; hay demasiados extremos en la vida cotidiana como para pensar en términos tan binarios. Yo me inclinaría más hacia una simbiotopía, donde el apoyo mutuo y la interdependencia se entienden como una forma de vida y una dirección para el futuro. El parentesco y el cuidado podrían, en mi opinión, contrarrestar la crisis global. Así como aceptar que las cosas buenas toman tiempo y que la lentitud también es una forma de movimiento.

En ese sentido, ¿cómo es tu proceso de investigación y curaduría, desde la conceptualización inicial hasta la proyección final?

Depende. A veces es un momento de pausa el que me hace ver las cosas de forma diferente. Como mi serie sobre las nubes, que surgió de observarlas durante mis viajes en tren, luego querer saber más y finalmente descubrir la situación en la que se encuentran las nubes cúmulo debido al calentamiento global. Luego viene un largo periodo de investigación, lectura y entrevistas, donde intento desenredar estos sistemas complejos que a menudo ocultan ideas bastante simples y potentes.

Otras veces, descubro una obra o un artista que inspira toda una nueva serie de preguntas. En ese caso, no busco la ayuda de científicos para obtener respuestas, sino que prefiero reunir distintas perspectivas sobre una misma pregunta para crear una exposición.

En general, la investigación interdisciplinaria que combina ecología, filosofía, descubrimientos científicos y la lectura de ensayos o novelas de ciencia ficción suele dar lugar a nuevas preguntas y deseos. En definitiva, ya sea en mi arte o en mi curaduría, lo importante es invitar al visitante a sentir, imaginar, ver y actuar de manera diferente.

¿Cuál es la parte más difícil del proceso?

La parte más difícil es detenerse durante la fase de investigación. Podría pasar toda mi vida leyendo y aprendiendo. 

Para terminar, quisiera preguntarte por tus inspiraciones y referencias: ¿Quiénes o qué son tus principales fuentes de inspiración? ¿Qué álbumes o músicas consideras relevantes e influyentes? ¿Qué artistas te inspiran?

Sigur Rós es mi música de referencia cuando necesito estar en modo creativo. Sus paisajes sonoros me dan el espacio y ritmo suficiente para divagar y luego aterrizar donde necesito, un espacio entre la fragilidad y la fuerza, como la luz del sol filtrándose entre las ramas de los árboles. También me gusta que puedes escuchar su música durante horas, sin orden, sin principio ni final. Es el acompañante perfecto para un largo viaje: no impone emociones ni ideas, te sostiene para que puedas desplegar tus alas. Eso mismo es lo que valoro en algunas obras de arte: que ofrecen e invitan, sin imponer ni dirigir. Depende de ti sentir, pensar y sacar tus propias conclusiones, o no. También es la mejor forma de compartir conciencia ecológica: sin presión, solo siendo.

En cuanto a libros, las historias de Robert Silverberg y J.G. Ballard me inspiraron mucho, ya que exploran la interioridad y la transformación en mundos que colapsan por estrés ecológico y psicológico. A través de sus obras especulativas, presentan visiones reflexivas que retratan el presente mediante futuros oníricos y perturbadores. Recientemente, literalmente adoré Bodies of Water de Astrida Neimanis y acabo de terminar Medium Hot de Hito Steyerl.